O artista tailandês radicado em Los Angeles, Saun Santipreecha, recentemente lançou uma verdadeira obra-prima dentro do gênero ambient, o registro de seis grandes canções, “Dandelye”. Ele topou conversar conosco sobre o estilo em questão, os processos que resultaram no álbum, experiências sonoras diversas e sua amplitude artística até os dias atuais. Foi uma conversa INCRÍVEL, disponibilizada na íntegra abaixo:
1. A sonoridade ambient tem sido bastante exaltada nesta década que se inicia. São MUITOS os lançamentos do gênero! Você acha que essa demanda é porque a sociedade precisa “desacelerar” um pouco e focar mais na intenção artística, já que sabemos que a ampla maioria das pessoas sequer ouve uma música inteira nas plataformas de streaming?
Sim, eu acho que você está certo, mas para ser honesto esse não foi o ponto principal que me atraiu no ambient como “gênero”. Para mim, trata-se do foco em ouvir além do que estão acostumados a perceber na música, e pessoalmente adoro os sons “externos” para coincidir com “experiências internas”. Tudo volta ao que chamo de interioridade da experiência, como todos nós experimentamos o mundo através de nossos sentidos, mas também das camadas coloridas de nossa própria experiência, como se estivéssemos envoltos em um tipo de útero. Essa é a principal exploração para mim em meu trabalho, perguntar a esses questões de como experimentamos e como muitas vezes somos presos a certos momentos desde a infância, que travam, torcem e espreitam dentro de nós ao longo da vida. Eu exploro isso tudo através de um ventre sônico que tento criar com cada peça!
Vindo de mais passado musical tradicional, embora eu ame os clássicos, havia algo que estava desaparecido até que comecei a explorar o som em seus próprios termos, particularmente o uso e manipulação de gravações de campo em meu trabalho, pois trouxe uma tangibilidade a obra que não sentia antes. Um maravilhoso poeta amigo meu levantou um grande ponto quando estávamos discutindo isso, sobre como nossos corpos geralmente reagem muito instintivamente com “sons que existem ao nosso redor”, ou seja, chuva, vento, tráfego, pássaros, etc. Reagimos talvez mais inatamente com isso do que com a música mais tradicional, que visualizo tem sido muito enquadrada pelo simbolismo cultural e social. De modo que a coexistência do interior e do exterior, é o que me atrai particularmente, especialmente em meu trabalho solitário.
2. Qual seu primeiro passo no processo de composição musical? Foi o estilo ambient uma escolha artística espontânea ou veio de algum permeio intimista?
Acho que como disse acima, o estilo “ambient” embora não totalmente consciente, em última análise era o que parecia mais apropriado para a exploração no que eu estava interessado. O termo ambient tem definições tão amplas que realmente depende de com quem você está falando e como eles estão enquadrando o rótulo. Ambient em uma das definições que li abrangeu todos, de Stockhausen e Schaeffer, a Brian Eno e música de ioga meditativa. Inclinando-se mais para Stockhausen e Schaeffer do que para Eno e música de ioga, gosto da abertura dessa definição.
Alguém escreveu isso, o foco do ambient era mais sobre “ouvir”, com o qual eu concordo plenamente, particularmente no ato de executar mais abertamente do que talvez se tenha feito no passado. Ouvir algo sem a preocupação de procurá-lo para se adequar a um determinado estilo ou emoção preconcebida. Por exemplo, para mim, ambient não é apenas sobre música que é calma, contemplativa e reconfortante. Estou mais interessado em ser um lugar onde coexistem opostos, tensões e reflexões. Como na mesma intensidade, na sombra que emite de um objeto dependendo da fonte de luz, como no próprio objeto em si. Talvez mais ainda, porque a sombra permite pensar no sentido do ponto de vista e ver algo de vários ângulos.
3. O conceito de “Dandelye” teria culminado primeiramente em uma premissa literária. Como surgiu o contexto para definir esse processo para a música?
Trabalhei em “Dandelye” como um livro por muitos e muitos anos, mais de quatro para ser mais preciso. Por fim, percebi que faltava algo na tangibilidade no formato de romance. Pelo menos o que fui capaz de trazer para ele, e que sou mais adequado para explorar aquele mundo interior do personagem, que sempre foi um objetivo do projeto, e é isso que o som e a música, particularmente a instrumental, são perfeitos. Com palavras você tem uma especificidade de um vocabulário compartilhado, que fundamenta o trabalho em um sentido concreto, enquanto com música e som, isso é muito mais efêmero.
É claro que há uma gramática musical amplamente estabelecida e construída ao longo dos séculos, mas a maior parte parece ser muito culturalmente baseada e muda de acordo com muitos movimentos e grupos. Não existe uma definição única, por exemplo, da nota C, ou de uma certa combinação de tons ou sons. Mas que som e música tem uma capacidade de se comunicar diretamente no sentido físico de ondas que evocam algo no ouvinte. Eu tento não usar a palavra “emoção”, porque para mim parece limitante. Uma peça de música ou arte sonora pode evocar tais experiências complexas, que podem não ser categorizadas como emocionais e ainda assim ainda pode ser poderoso.
4. A maioria dos sons externos adicionados as composições, são resultado de ruídos naturais e elementos da natureza. Foi essa a principal inspiração para conceber os arranjos, ou o instrumental acústico veio antes?
Os arranjos vinham principalmente desse sentido de movimento, uma espécie de trajetória. A arte visual foi meu primeiro amor, então a maior parte do que eu faço sonoramente e musicalmente, ainda tem raízes na pintura para mim. Eu penso em uma peça como uma espécie de pincelada, ou talvez mais amplamente uma tela ou um espaço arquitetônico. Então reflito muito sobre o movimento e a forma dele, como vai se sentir. É uma escultura pesada, escura e pesada? Ou é uma luz fio de uma única pincelada? A primeira peça, “Seeds Across an Ashen Sky”, é muito uma única pincelada. A ideia por trás disso veio da minha meditação sobre a ideia de enquadramento e reenquadramento, e como o “significado” só vem de como enquadramos algo.
Isso é verdade para a maioria das artes, por exemplo. Onde é exibido, como é enquadrado para o público, para o bem ou para o mal, determina a recepção do público de sua obra, independentemente do valor real da peça em si. De um musical e sonoro sentido, eu me faço uma pergunta semelhante e essa peça é uma espécie de resposta. Ela começa com uma nota, um tom que é neutro o suficiente, mas no momento em que você adiciona a próxima nota, muda nossa percepção do que a primeira nota “significa” (estamos tão preparados para encontrar ‘significado’ em tudo) e então o próximo ainda o transforma; então a peça evolui em um série de re-enquadramentos de deslocamento. Não, eu não diria que os instrumentos acústicos vieram primeiro. Na maioria das vezes o desenho e/ou as gravações de campo instruíram como a peça iria evoluir.
Por exemplo chuva “Rain Dance” começou comigo gravando a chuva de dentro do meu quarto e como eu estava ouvindo em tempo real com meus fones de ouvido, comecei a me mexer e interferir no posicionamento do zoom e seu microfone, o que obviamente muda sua perspectiva sonora a medida que aproxima ou se afasta da janela e da fonte do som. Então eu comecei a “dançar” com a gravação e tentando explorar um movimento corporal inato dentro da própria gravação, daí o título da peça. A última faixa, porém, “Weeds Along A Tunnel’s Edge” foi uma espécie de união da gravação de campo que fiz no alto das montanhas Angeles Crest, onde existem esses incríveis longos túneis de concreto pelos quais eu gravei caminhando (o que é ouvido em outros lugares do álbum também) e sentado ao piano escrevi o que se tornou aquela peça, uma espécie de epílogo do álbum.
5. O título é baseado em uma contradição como você mesmo colocou: considerada uma erva daninha no ocidente e uma flor de refinamento na Tailândia. Até que ponto a Dandelye ressoa com o conceito do álbum?
Acho que está muito ligado a essa ideia de opostos, de algo que é valorizado ou desvalorizado em um determinado lugar que não está em outro. Você poderia olhar para isso também em o sentido de “som” versus “instrumentos musicais tradicionais”, além de externo e interno. De outro ângulo você também pode ver a ideia das sementes de um dente-de-leão à deriva de sua fonte através dos ventos, através do tempo, brotando em diferentes locais alheios a sua origem. Isso está muito ligado também a ideia de momentos da vida que se travam para nós e lançou sua sombra ao longo dos anos de nossa trajetória. Trauma é exemplo comum disso!
Sonicamente você verá como eu fiz com muitos dos motivos no álbum, lançando-os em distorção e manipulação ao longo de uma peça ou a extensão do processo, como por exemplo as texturas vocais percussivas em “Among Open Esculctures”, que cresceram nessas texturas corais de pesadelo em “Dandelye”. Outro exemplo é o motivo de piano de “Conjoined Time” que retorna em “Dandelye”, mas depois da jornada sônica o ouvinte esteve no meio, particularmente com o sentimento ponderado da parte anterior, a evocativa a natureza do retorno desse motivo é diferente de quando foi introduzido pela primeira vez; tudo foi reformulado.
6. A previsão do ambiente geralmente adiciona intenção eletrônica à sua construção sonora. A opção pela instrumentação analógica e acústica veio da conceito? As trilhas sonoras de filmes foram uma inspiração?
Eu diria que a música concreta sempre foi uma grande inspiração para mim, o exploração de objetos sonoros e a noção de encontrar musicalidade no cotidiano. sons ‘concretos’. Para mim, isso incorpora um dos pilares fundamentais do ambiente música, essa ênfase em ouvir e ouvir as sonoridades texturais da peça em vez de apenas os aspectos “musicais” mais tradicionais, como melodia, harmonia, ritmo. É uma mudança de perspectiva. Claro que não posso negar a influência do meu amor pelo cinema e por ter trabalhado por muitos anos nesse meio. eu sempre amei conseguir criar um mundo, não apenas musicalmente no filme, mas também sonoramente e suponho que em muitas maneiras que estou fazendo aqui no meu trabalho solo também, só que não está seguindo uma narrativa aberta, mas sim cria um espaço para se envolver com o público e dentro de seus próprios diálogos e narrativas interiores.
7. O contexto que promove a relação entre natureza, seres humanos e tecnologia, tem a propensão da mudança interior para o ouvinte que emerge nessa experiência sensorial? Existe esse processo de cura, como outras obras propõem essa relação com quem participa da experiência?
Acho que minha investigação da relação entre humanos, natureza e tecnologia, é mais um questionamento e observação do que tentar criar uma mudança interior ou uma processo de cicatrização. Acho que a capacidade de “curar” ou melhor lidar com o nosso lugar neste planeta e dentro da natureza, é um assunto muito amplo e importante para conter em um peça única. Mas estou muito interessado na relação dos três particularmente, em olhar para a tecnologia realmente como uma ferramenta da engenhosidade humana. Em última análise, a criatividade impulsiva nos humanos para criar uma ferramenta que irá melhorar as nossas vidas e nosso relacionamento com a natureza ao redor (ou pelo menos parecer melhorar).
Por outro lado também há manipulação constante de cada lado. Um humano cortando uma árvore para construir uma casa é manipular a natureza para nosso abrigo, mas o terremoto que remodelar a paisagem é também uma manipulação. E claro que sabemos como a tecnologia manipulou e mudou a paisagem muito bem. Em última análise, eu não gostaria de tentar forçar qualquer tipo de mudança sobre o ouvinte, mas sim abrir uma porta fazendo e propondo perguntas, maneiras diferentes de olhar para algo e permitindo-lhes considerar suas próprias experiências.
8. Vindo da Tailândia, qual foi o principal choque cultural que você experimentou ao se estabelecer em Los Angeles? Essa mudança interferiu no projeto do disco?
Não muito realmente. Estou aqui em Los Angeles há quase quinze anos e até antes disso eu cresci em muitas comunidades internacionais na Tailândia, então eu tenho sempre foi mais ou menos bi-cultural, leste e oeste. Então não, realmente não interferiu com o design do álbum. O que foi mais importante na formação realmente foi ser capaz de diminuir o zoom o suficiente para se envolver com as ideias do disco, sua real intenção, em vez de ficar preso em um loop infinito de estilo e gênero. Este foi o que fez a maior diferença, e em última análise, foi mais libertador.
9. Qual a importância da parceria firmada frente ao Pride Month?
Para mim, o Pride sempre foi sobre dar a comunidade LGBTQIA+ um espaço tanto físico e emocional para se sentir em casa e pertencer. É um mês de humildade para me lembrar daqueles que abriram o caminho, muitas realidades que ainda precisam ser combatidas e outros defendidas, mas para mim, pessoalmente, levou muito tempo chegar a um lugar onde me sinta seguro e em casa comigo mesmo. Pessoalmente, culturalmente e emocionalmente! “Dandelye” foi o primeiro trabalho criativo que incorporou isso para mim, parecia certo lançá-lo durante o Mês do Orgulho e reconhecer, ser grato e ficar com a comunidade em geral.
10. Quanto do seu trabalho anterior teria complementado para o amadurecimento musical que resultou em “Dandelye”? Conte-nos um pouco sobre suas contribuições anteriores!
Ah, eu acho que tudo isso é necessário. Tudo, desde minha formação em música clássica até o trabalho longo do filme para trabalhar no livro ao longo desses anos que funcionou em “Dandelye”, o álbum. Acho que o maior fator contribuinte para o amadurecimento em “Dandelye” para eu finalmente estar chegando a um ponto em que posso recuperar, é suficiente para mim com as ideias da peça e não apenas com as ferramentas e simbolismos enquadrados (ou seja, este acorde está associado a este tipo de música ou cultura, ou este instrumento está conectado com isso, etc.).
Do ponto de vista “emocional” intuitivo, eu sempre estive lá e cresci particularmente com o meu trabalho no cinema, mas poder ter um terreno sólido para começar e ser fundamentado frente ao processo realmente feito para muita diferença. Uma vez que consegui fazer isso, pude começar a construir minhas próprias conexões com essas ferramentas musicais e a partir de uma ideia e ponto de vista isso me libertou para realmente poder focar no meu ponto de vista artístico. Similar a quando preciso de um certo pincel ou conjunto de cores. Vendo do visual mundo da arte quando eu era jovem, eu tinha uma conexão pessoal com pastéis, óleo, acrílico etc. Cada um evocou algo, então eu sabia o que eu iria alcançar para transmitir.
Sinto que sonora e musicalmente cheguei a esse ponto agora. Tem sido interessante também retornar ao trabalho no cinema pós-Dandelye e me sentir mais livre, mas também com um ouvido mais apurado no arranjo de tons, seja na mais tradicional orquestração ou arte sonora. Porque posso pensar nisso mais do ponto de vista “o que pretende aqui, quais são as ideias por detrás desta peça e que ferramentas para eu evocar isso melhor”, mesmo reconhecendo mais como formas musicais tradicionais e saber como nos quais principais crescentes irei subvertê-los, etc. É por isso que gosto muito do rótulo “arranjador de sons” como contrário aos outros por aí. Eu sinto que é realmente mais preciso e também mais libertador de quaisquer conotações associadas ao seu trabalho, e permite ser com o que há de mais importante em seus empreendimentos artísticos, focando na construção e fortalecendo essa relação entre e o uso intuitivo das ideias próprias ferramentas.
Disponibilizado abaixo o INCRÍVEL “Dandelye”:
https://open.spotify.com/album/0zcHeURUbcT0AbP3Vk2htv
